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Varini #Voyage à Nantes 20 juillet, 2013

Classé dans : actualités de l'art,histoire de l'art,mes voyages,Nantes — MyArtMag @ 10:41

Felice VARINI semble partout cette année !

En effet, j’ai pu voir son œuvre à Salon de Provence pour Marseille-Provence 2013 et à Nantes à la HAB galerie pour l’exposition « Suite d’éclats ».

Varini #Voyage à Nantes dans actualités de l'art hab-galerie-2013-300x225

L’exposition à la HAB galerie, sur l’ile de Nantes, au hangar à bananes, gratuite, est ouverte du 28 juin au 1er septembre 2013. Elle est pour moi l’exposition phare du Voyage à Nantes !

Varini  (1952 à aujourd’hui) est un artiste contemporain incontournable et j’adore son œuvre. Je vous invite à redécouvrir mon article sur lui (il a 2 ans déjà ^^) : Myartmag et Varini

Varini c’est un art in situ, la peinture quitte la toile pour se développer dans l’espace. La géométrie et la couleur sont au centre de son œuvre. Il décompose, éclate les formes grâce à des bandes adhésives colorées. Varini invite le monde à explorer et à composer sa propre peinture. Il génère un univers et cherche à montrer qu’il y a un malaise au niveau de la perception.

A chaque œuvre 1 point de vue qui permet de recomposer la figure géométrique ! A vous de le trouver !

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« Suite d’éclats «  est donc une exposition ludique. Petits et grands y trouverons du plaisir ^^ On y redécouvre une 20aine des œuvres de Varini revisitées pour tenir dans la HAB galerie. C’est comme une déambulation dans la carrière de Varini, une déambulation labyrinthique et pleine de surprises.

Attention !! L’exposition continue dans les cryptes de la Cathédrale et aux Galeries Lafayette sans oublier son œuvre « suite de triangles » à Saint-Nazaire qui fait partie d’Estuaire.

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A la HAB galerie nous découvrons le travail « d’intérieur » de Varini, je tenais quand même à vous montrer son œuvre « double cercle » actuellement à Salon de Provence.  Cette œuvre monumentale éphémère recouvre les toits de la vieille ville de Salon de Provence. Il souhaite ici mettre en valeur et révéler l’architecture. C’est ce que je préfère dans son travail !

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Bonne fête des pères ! 16 juin, 2013

Classé dans : actualités de l'art,histoire de l'art — MyArtMag @ 13:41

16/06/2013 : fête des pères

De nombreux artistes ont représenté leur père pour leur rendre hommage.

Voici Louis-Auguste Cézanne le père du peintre Paul Cézanne vu par lui :

Bonne fête des pères ! dans actualités de l'art louis-auguste-cezanne-205x300

 

 


     Portrait de Louis-Auguste Cézanne vers 1862. Huile sur plâtre, déposée sur toile. Exposé à la National Gallery de Londres. 

 

 

 

 

 

 

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Portrait de Louis-Auguste Cézanne vers 1866. Exposé à la National Gallery de Londres.

 

 

 

   Double hommage à son père, ici, dans ces toiles post impressionnistes. On remarque la similitude des poses, de l’attitude et de l’action. Il est assis les jambes croisées et lit le journal. Il est habillé d’un costume élégant du XIXème siècle avec une sorte de casquette. Il est concentré sur sa lecture. C’est l’image d’un homme sage qui ressort de ces tableaux.

On est loin des chaussettes ou cravates !

Bonne fête à tous les papas ^^

 

 

En quête de Nantes n°3 17 avril, 2013

En quête de Nantes est de retour !

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      C’est reparti ! Les visites guidées gratuites et les cafés-rencontres, organisés par la Direction du patrimoine et de l’archéologie de la Ville de Nantes, nous content cette fois l’histoire de la Manufacture des Tabacs de Nantes.

       Pourquoi la Manu (c’est comme ca que tous les nantais la nomme !) ? Car elle a 30 ans, enfin pas elle qui est ouverte en 1862 mais sa réhabilitation qui date de 1983.

J’ai assisté hier à la première visite guidée sur l’histoire de la Manufacture des Tabacs et j’ai découvert un endroit magnifique, rempli d’histoire et aux multiples témoins de son passé industriel.

Je vous ferais un article sur la Manu et sa réhabilitation après le cycle de visites et de conférences. Pour l’instant vous devez vous contenter du programme et j’espère qu’il vous donnera, comme à moi, envie d’y aller.

Les prochaines dates pour tout connaitre de la Manufacture :

  • Mardi 14 mai : De la manufacture des Tabacs à la Manu (1974-1983)

                                   – 18h30-19h30 : visite guidée : la réhabilitation de la manufacture

                                   – 19h30-20h30 : Café rencontre : les acteurs de la réhabilitation et le regard porté aujourd’hui sur le site (Il sera animé par mon ancien prof de patrimoine industriel : M. Kerouanton)

  • Samedi 15 juin : La Manu en fête : fête du quartier de 14h à minuit et visites guidées de la Manu à 14h, 15h30 et 17h

  • Mardi 18 juinDes œuvres d’art qui révèlent l’histoire

                                   – 18h30-19h30 : visite guidée : les œuvres d’art de la Manu

                                   – 19h30-20h30 : café rencontre : quand la création devient patrimoine

  • Samedi 22 juin : le P’tit bal ambulant

                                -16h : visite guidée de la Manu

                                – 17h30 : le P’tit bal : bal inspiré de la littérature ouvrière

  • Samedi 14 et dimanche 15 septembre : Journées du Patrimoine
  • Mardi 15 octobre : La Manu aujourd’hui, quels regards ?

                                – 18h30-19h30 : Parcours « sensible »

                    – 19h30-20h30 : Café rencontre : habiter, fréquenter, travailler dans un patrimoine industriel réhabilité…ça change quelque chose ?

Voici le programme en PDF :

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Tout est en accès libre et gratuit.

Pour les visites : RDV devant l’entrée des services municipaux de la Manu, 11 boulevard de Stalingrad.

Pour les cafés rencontres : RDV dans la salle de conférence de la Manu, 10bis boulevard de Stalingrad.

Je finirais ce billet par vous dire que vous pouvez visiter par vous même la Manu toute l’année (c’est un espace public). Un parcours patrimonial en 6 étapes a été installé, un dépliant « laissez-vous conter la Manu » a été créé ainsi qu’une signalétique présentant les œuvres d’art contemporain de la Manu.

 

Bonnes visites à tous et laissez moi vos commentaires sur la Manu ^^

 

 

Poissons d’Avril 1 avril, 2013

Aujourd’hui c’est le 1er Avril, vous venez de faire la chasse aux œufs et accrochez des petits poissons partout ?!

Pour rester dans le thème je vais vous faire découvrir, ce jour, un tableau d’un de mes artistes favori : Nature morte avec poissons rouges de Roy Lichtenstein, 1974. Il se trouve actuellement au Musée d’art de Philadelphie.

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    Cette huile sur toile est une nature morte. L’expression nature morte désigne un sujet constitué d’objets inanimés (fruits, fleurs, vases, etc.) ou d’animaux morts, puis, par métonymie, une œuvre (en peinture ou en photographie, etc …). Roy revisite la nature morte par le Pop Art. En effet c’est l’un des artistes le plus important de ce mouvement. Ses œuvres s’inspirent de la publicité et de l’imagerie populaire de son époque, ainsi que des « comics ». Il décrit son style comme  « aussi artificiel que possible ».

    Habituellement Roy modifie une image tirée d’une bande dessinée mais ici il modifie une image tirée d’un tableau de Matisse. Matisse a, en effet, peint une série de tableaux avec Poissons rouges, ci-contre, Poisson rouge et palette, Matisse, 1914. poisson-rouge-et-palette lichtenstein dans histoire de l'art

Il utilise la technique  typographique de l’image imprimée. Il a transformé l’œuvre de Matisse en vignette de bande dessinée. Elle devient une image de masse : réduction des formes à l’état de silhouette, simplification des lignes, contours nettes et couleurs simples, vives et plates. On retrouve ici la marque de fabrique de Roy Lichtenstein : la trame typographique (effet de texture que l’on retrouve dans le bocal) qui apparait habituellement lorsqu’on agrandit une image imprimée.

Nature morte avec poissons rouges est représentative de l’œuvre de Roy dans les années 1970. Il commence à tourner son attention vers la « grande » peinture qu’il traite tout de même à sa manière Pop art. On lui connait notamment Nature morte cubiste aux cartes à jouer de 1974.

Et tout ceci n’est pas un poisson d’Avril !!!

 

 

Tombeau du Pape Alexandre VII du Bernin 16 mars, 2013

Classé dans : Histoire,histoire de l'art,mes voyages — MyArtMag @ 11:19

Cela n’a pas dû vous échapper, nous avons eu cette semaine un nouveau Pape ! Il a bien faillit usurper le nom d’un de nos plus célèbre roi mais au final nous le nommerons le Pape François !

    Pour cette occasion j’ai choisi de vous présenter une sculpture magnifique du Bernin représentant…un Pape ! Voici le tombeau du pape Alexandre VII se trouvant…à St Pierre de Rome ! J’ai eu la chance de le voir de mes propres yeux et c’est un tombeau des plus impressionnants.

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Tombeau du pape Alexandre VII

           C’est sous le patronage du cardinal Scipion Borghèse que le jeune Bernini commence à être reconnu comme sculpteur de talent. Son art,  baroque, est caractérisé par la recherche du mouvement, la torsion des formes, le spectaculaire et les effets d’illusions. Favori des papes, il devient l’architecte de la basilique de Saint-Pierre.

           Alexandre VII est un pape humaniste et urbaniste qui monte sur le trône de Saint Pierre en 1655. Il nomma le Bernin architecte de la Chambre charge très enviée. Il était alors au comble de la gloire.

        Le premier projet date de 1660. Ce tombeau en bronze et en marbre sera achevé en 1678. Ce pape et l’un des 147 papes enterrés dans la basilique.

       La sculpture est placée dans une vaste niche de 40 palmes surmontée d’un fronton brisé renfermant une porte. Couronnant le tout : les armoiries du pape, portées par 2 grandes ailes. Comme le monument est placé au dessus d’une porte, le Bernin élimine le sarcophage et utilise la porte comme si elle donnait accès à une chambre funéraire.

     La cohésion d’ensemble est assurée par les obliques que dessinent les axes des vertus et les plis du drap mortuaire. La profusion de couleur, les dorures et incrustations contribuent aussi à l’unité de la composition dont les 5 personnages de marbre blanc se détachent fièrement : 

         -Le Pape :  la posture du pape, agenouillé de face, la tête légèrement inclinée, privilégie le point de vue des fidèles debout dans la nef avec la lumière naturelle qui arrive vers la droite. Alexandre apparaît tête nue, regardant droit devant lui, les mains jointent en prière. La statue en marbre est deux fois plus grande que nature. La frontalité quasi hiératique lui donne un air de détachement serein : il semble prier pour l’ensemble de la chrétienté. Le priant est sur un piédestal dont la face bombée porte l’épitaphe.

        -La mort : elle nous apparaît comme un squelette en bronze doré, spectral et presque grotesque, arrivant par la porte et soulevant le drap dont elle se coiffe la tête, presque honteusement. En même temps elle tend le bras au pape. La mort fait comprendre par son sablier ou clepsydre du temps, qui c’est vidé que pour le pape le temps s’est écoulé. La mort apparaît en memento mori. Les jambes du squelette se balancent devant la porte comme une menace. L’allégorie, la fiction et la foi se rejoignent dans la création du Bernin.

      – Les Vertus : le piédestal sur lequel Alexandre est agenouillé, est entouré de 4 figures allégoriques. La disposition des 4 vertus dans les angles donne l’impression qu’on peut tourner autour du monument. Pourtant les figures du fond ne sont sculptées que de moitié.

              – L’allégorie de la Vérité se trouve au premier plan sur la droite. Elle a le pied posé sur le globe symbolisant l’univers et sert contre elle un soleil. Elle se trouve impliquée dans une évocation complexe du temps : temps biographique de la vie écoulée du pape, passage de la mort, y compris au sens propre du terme, la tombe étant placée au-dessus du passage vers une sacristie. C’est le pape Innocent XI qui demanda au Bernin de voiler la nudité de la Vérité qui le heurtait. Bernin imagina alors un voile de bronze lui couvrant la poitrine.

          -La justice est à droite en arrière. On la reconnait par son casque et son air pensif.

       -La Charité est à gauche avec un enfant dans les bras. Tout en elle conduit le regard du spectateur vers le Pape. La lumière éclaire naturellement son visage et le nourrisson qu’elle tient

           -La prudence est derrière à gauche et a perdu son miroir.

       Ce qui est entièrement nouveau dans cette œuvre c’est le motif du linceul, emblème mortuaire approprié. Les plis de cette étoffe s’enroulent autour des 2 statues placées sur l’avant et s’étirent sur les 2 bords de la niche pour aller toucher les colonnes latérales. Comme on peut s’y attendre ce lourd drapé remplit une importante fonction artistique. Le drapé crée une zone qui isole l’œuvre d’art de la banalité du monde extérieur tout en permettant de l’intégrer à son environnement. Les allégories qui s’enveloppent dans le linceul de jaspe comme dans une étoffe réelle semblent appartenir à la sphère humaine, tandis que la statue du pape posée sur son sévère socle architectural, bien au dessus de la draperie a été repoussée hors du monde du spectateur. C’est le motif de la draperie qui fait que la distinction entre la figure inapprochable du pape et les allégories humaines devient une poignante expérience visuelle.

 

 

Pour la Journée de la Femme : portrait de Frida Kahlo 8 mars, 2013

Classé dans : histoire de l'art,une oeuvre et une histoire — MyArtMag @ 12:54

Nous célébrons ce jour, le 8 mars, la journée internationale de la femme !

Bon j’ai jamais vu l’intérêt de ce jour mais il me parait propice pour vous présenter mon artiste féminine préférée : la peintre Frida Kahlo.

Pour la Journée de la Femme : portrait de Frida Kahlo dans histoire de l'art kahlo-frida-1931-sized

Son mari, le peintre Diego Rivera, a dit d’elle « C’est la première fois dans l’histoire de l’art qu’une femme exprime avec une totale sincérité, dépouillée et [...] féroce, les faits et détails qui concernent exclusivement la femme« 

Frida Kahlo (1907-1954) est une très célèbre peintre mexicaine. Atteinte de poliomyélite et grièvement blessée dans un accident de bus avant ses 20 ans, la vie de Frida est remplie de douleur. C’est clouée dans son lit après de multiples opérations que la jeune fille qui voulait devenir médecin se tourne vers la peinture. Pour l’aider, ses parents installent au-dessus de son lit un miroir pour qu’elle puisse se servir de son reflet comme modèle. C’est surement le déclencheur de sa passion pour les autoportraits. Sur près de 145 tableaux plus de 50 sont des autoportraits.

Plus que la douleur, c’est sa force qui transparait dans ses œuvres. Grande idéologue, elle adhère au parti communiste et milite pour l’émancipation de la femme.  Elle vit aussi des amours passionnés, notamment avec le peintre Diego Rivera qui devient son mari.

Célèbre de son vivant, sa consécration survint lors d’une exposition à New-York en 1938 consacrée à elle. Celle-ci fut organisée par André Breton l’un de ses plus grand fan.

Frida Kahlo s’inscrit dans le mouvement muraliste et celui du réalisme européen. Pour information le muralisme célèbre la culture mexicaine et ses racines précolombiennes dans des œuvres de grands formats, réalisées collectivement, dans des lieux publics

 

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Ce tableau de 1944 porte le titre révélateur de La colonne brisée. Frida créa cette œuvre durant l’age d’or de sa carrière. En effet, après l’exposition de New York elle croule sous les commandes. A tel point que cela altère sa santé. Ses douleurs au dos sont insupportables et elle doit remettre un corset pour soutenir sa colonne vertébrale.

Tout cela transparait dans ce saisissant autoportrait de Frida. Un désert en arrière-plan nous indique sa solitude. Elle en premier plan, reconnaissable par ses sourcils en V, est immobile comme figée. Toute sa vie peut se lire dans ce tableau. Son corps est fendu en deux et ne tient que grâce à un corset. La colonne vertébrale est remplacée par une véritable colonne architectonique brisée comme l’est sa vie. La douleur physique et morale est suggérée par les clous et les larmes qui coulent abondamment sur son visage.

Et pourtant malgré tout cela on voit sa force et sa ténacité. Elle nous regarde droit dans les yeux, la tête haute. Le corset et les clous peuvent nous faire penser à une réparation.

Ce tableau magnifiquement dur nous résume cet artiste à la perfection !

 

Pour plus de renseignement sur Frida Kahlo RDV sur le site officiel de la peintre : http://www.fkahlo.com/

 

 !!!! Je vous invite fortement à regarder le film Frida Kahlo de Julie Taymor datant de 2002. Salma Hayek y joue une saisissante Frida. Le film est magnifique et retrace à la perfection la vie de cet artiste hors du commun. !!!!

Bonne journée à tous et surtout à mes homologues féminines car il paraît que c’est notre journée ^^

 

 

Le musée des arts et métiers de Paris 18 décembre, 2012

Classé dans : histoire de l'art,patrimoine français — MyArtMag @ 13:02

Cela faisait un moment que je voulais vous parler du Musée des arts et métiers de Paris que j’ai visité aux vacances de la Toussaint.

Cet immense musée dédié comme son nom l’indique aux arts et métiers se situe au 60 rue Réaumur à Paris. Ne recherchez pas un bâtiment de musée classique ! En effet, il prend place dans l’ancienne abbaye Saint Martin des Champs !

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 Un peu d’histoire :

- Une basilique funéraire mérovingienne précéda Saint Martin des Champs

- 1059 : édification de Saint Martin des Champs

- Fin 11ème siècle l’abbaye est transformée en prieuré

- 12ème- 13ème s agrandissement et travaux sous le signe du gothique

- La révolution décime Saint Martin des Champs

- 1794 : l’abbé Henri Grégoire expose un projet d’envergure : la création d’un conservatoire des arts et métiers, un dépôt de machines, modèles, outils, dessins, descriptions et livres dans tous les genres d’arts et métiers. Ce conservatoire voit le jour et est très vite doté d’une opulente collection. Mais l’édifice a besoin de sérieux travaux pour ouvrir au public.

- 1802 : les galeries des Arts et métiers ouvrent leur porte. Des démonstrateurs expliquent aux visiteurs le fonctionnement des machines exposées.

- 1850-1870 : restauration de l’église gothique et réhabilitation ce celle-ci en une usine gothique ou église à vapeur. En effet, elle sert alors de hall d’exposition !

- 1990 : début des derniers grands travaux de restauration du Musée. À travers 7 grands domaines et 4 périodes-clefs, l’exposition permanente de plus de 6 000 objets reflète les facettes les plus variées de l’histoire des techniques. L’itinéraire couvre 3 niveaux, avant d’aboutir à cette chapelle mythique des Arts et Métiers, restaurée dans toute sa fraîcheur du siècle dernier.

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Mon avis sur le musée :

Je vous le conseil, il est vraiment excellent. Bien sur il est très grand et donc il faut prévoir du temps pour la visite. Il faut aussi aimer l’histoire et les inventions très diverses. Les enfants apprécient beaucoup ce musée leur montrant notamment l’ancêtre de la TV, du téléphone ou encore de l’ordinateur. La scénographie est très bien faite et on trouve des outils de médiation pour tous les gouts : écrans tactiles, fiches explicatives, jeux pédagogiques manuels …

Je vous conseil également leur exposition temporaire : Et l’homme … créa le robot ouvert jusqu’au 3 mars.

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 Infos pratiques :

Il est ouvert du mardi au dimanche inclus, de 10 h à 18 h.
Nocturne le jeudi jusqu’à 21 h 30.

Le plein tarif est à 6,50 euros et le tarif réduit à 4,50 euros. La gratuité est accordée notamment  aux -26 ans, le 1er dimanche de chaque mois et le jeudi à partir de 18h.

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Pour plus de renseignements RDV sur le site du musée !

 

 

Musée Jules Verne de Nantes 27 avril, 2012

Classé dans : histoire de l'art,Nantes — MyArtMag @ 21:11

Bonsoir à tous !

Cela fait bien longtemps que je n’ai pas mis les pieds sur mon blog mais cela va changer !

Aujourd’hui je vais vous parler d’un musée qui m’est très cher, le Musée Jules Verne à Nantes. Il se trouve sur la butte Sainte Anne au 3 rue de l’Hermitage.

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Jules Verne est « né à Nantes, où [son] enfance s’est tout entière écoulée […] dans le mouvement maritime d’une grande ville de commerce, point de départ et d’arrivée de nombreux voyages au long cours » (VERNE Jules, souvenirs d’enfance et de jeunesse ). C’est pourquoi la ville de Nantes a toujours eu une véritable politique culturelle et documentaire vis-à-vis de Jules Verne. Et cela c’est concrétisé en 1978 par la création de ce musée littéraire.

Et j’insiste sur le terme de musée littéraire car ce n’est pas une maison d’écrivain (Jules Verne n’y a jamais vécu) ! Cependant le site du musée Jules Verne est emblématique. C’est un site vernien par excellence puisqu’il surplombe la Loire et a le double avantage de proposer un miroir de ce que fut la première inspiration de Jules Verne et d’autre part, une possibilité de lecture de l’ensemble de la ville. Et le bâtiment en lui même datant de l’époque de Jules Verne, est d’une remarquable beauté par son architecture de style mauresque.

Au Musée jules Verne, vous allez découvrir la vie et l’oeuvre de l’écrivain français le plus traduit au monde, ainsi que ses inspirations, à travers une collection riche et variée (manuscrits, illustration, imprimés, objets, meubles, affiches, maquettes…).

Et ce musée est accessible à tous ! Les 5-12 ans peuvent découvrir le musée de manière ludique grâce à des livrets jeux et au visionnage des romans de Jules Verne, adaptés en dessin-animé.  Et de ombreuses animations sont proposées durant les vacances. Pour les familles rien de tel que la visite guidée proposée tous les dimanche à 15h30 et tous les jours durant les vacances d’été !

Venez rêver pendant 1h pour 3€ par les adultes, 1,5€ pour les -26 ans et c’est gratuit pour les -18 ans ! Pourquoi s’en priver ! En plus en ce moment et jusqu’au 10 juin, le musée vous propose une exposition temporaire sur Jules Verne et la gastronomie ! Miam Miam !!

Pour plus de renseignement, direction le site internet du musée !

 

 

Le chateau de chaumont sur Loire 2 28 août, 2011

Classé dans : Histoire,histoire de l'art,patrimoine français — MyArtMag @ 16:10

Bonjour à tous !

Reprenons l’histoire de ce magnifique chateau à la fin du 19ème siècle. 

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   Celui ci a été racheté en 1875 par Marie-Charlotte Constance Say, héritière des raffineries de sucre Say. Ce sera la dernière propriétaire privée de Chaumont. La même année, elle a épousé le prince Amédée de Broglie et le couple princier va considérablement transformer le chateau pour le rendre digne de leur rang. En effet, une grande partie des souverains et artistes d’Europe et d’Orient, se sont rendus en ces lieux. 

De nombreux travaux vont etre effectués entre 1875 et 1900. Ils vont faire appel à l’architecte Paul-Ernest Sanson. On lui doit la restauration du chateau et la conception des détails des appartements privés, qu’il adapte aux exigences du confort moderne. Il aménage aussi l’appartement historique au 1er étage de l’aile Est (chambre dite de Ruggieri, dite de Catherine de Médicis, dite de Diane de Poitiers, la salle du conseil et celle des gardes. 

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    On doit aussi à cet architecte les écuries du chateau. Elles doivent être les plus somptueuses et les plus luxueuses d’Europe. Deux écuries sont édifiés : l’une pour la famille et une plus petite pour les invités. L’ensemble est fait en brique et pierre tous en reprenant le vocabulaire architectural du chateau. 

img1897.jpg     C‘est au couple princier que l’on doit aussi la création du parc d’agrément à l’anglaise, conçu par Henri Duchène à partir de 1884 et la ferme modèle datant de 1903. Le parc actuel de 21 hectares n’est qu’une petite partie du parc des Broglie. Cependant il accueil depuis 1992 un splendide concours de jardin dont je vous montrerais bientôt les photos. 

      Bon concluons maintenant ! Suite à de mauvais investissements puis à la mort du prince, Chaumont sur Loire est lourdement hypothéqué. La princesse va vendre meubles, tapisseries et objets précieux. 

     En 1938, l’Etat exproprie la princesse et récupère le domaine. Puis en 2008, le chateau devient propriété de la région Centre. 

Voilà, je vous invite bien sur à vous rendre dans ce chateau qui, bien que l’un des moins connus des chateaux de la Loire est magnifique.

 

 

Le chateau de chaumont sur Loire 1 27 août, 2011

Classé dans : Histoire,histoire de l'art,patrimoine français — MyArtMag @ 13:51

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    Le chateau de Chaumont sur Loire est fondé vers l’an 1000 par Eudes 1e, comte de Blois, pour surveiller la frontière entre le comté de Blois et d’Anjou. C’est alors une forteresse médiévale. Suite à un mariage en 1054, le chateau passe dans la famille d’Amboise pour 5 siècles. 

 

 

 

 

 Du Moyen-Age à la Renaissance : 

    En 1465, Louis XI fait raser et bruler Chaumont pour punir son duc impliqué dans la « ligue de Bien Public). Mais ses descendants Charles Ier puis Charles II le reconstruisent. A cette époque cette famille est puissante et proche du pouvoir. George d’Amboise, légat du pape et conseillé de Louis XII est l’un des 1er à introduire en France le gout Italien à travers Chaumont. Et Charles II d’Amboise est le 1er français à passer commande auprès de Léonard de Vinci dont il fait venir l’élève Andrea Solario en 1507. 

Du côté de l’architecture :

- 1468-1481 : création de l’aile Nord, ouest et début de l’aile Sud et de la tour d’Amboise. C’est un style encore défensif avec les chemins de ronde et les machicoulis.

- 1498-1511 : édification de la chapelle, de la tour St Nicolas, l’aile est, le chatelet d’entrée, l’escalier d’honneur et l’aile Sud, dans un style Italien (coquille et feuillage). 

De Catherine de Médicis à Diane de Poitiers

    La reine Catherine de Médicis, épouse d’Henri II achète le chateau en 1550. Elle utilise probablement chaumont comme RDV de chasse et comme étape entre les chateaux de Blois et d’Amboise. Selon la légende c’est à Chaumont que le célèbre astrologue Cosimo Ruggieri prédit à la reine la fin de la dynastie des Valois au profit de celle des Bourbons. Et il lui aurait montré dans un miroir les visages des 3 fils de la reine destinés à régner. 

img1915.jpg   En 1559, à la mort d’Henri II, Catherine voulant reprendre le chateau de Chenonceau à Diane de Poitiers, le lui échange contre Chaumont. 

    Diane de Poitiers ne fait que des séjours ponctuels à Chaumont mais elle poursuit la construction du chateau jusqu’à sa mort en 1566. Elle y a fait édifié le chemin de ronde à machicoulis du chatelet d’entrée de l’aile orientale et de la tour St Nicolas. Elle appose également ses chiffres et emblèmes ( D entrelacés, arc et carquois, cors de chasse et croissants de lune). Sa fille est la 1ère à manifester le désir de doter le chateau d’un parc mais sa mort mais fin à ce projet.  

Les Lumières et le romantisme : 

img1998.jpg    Ces époques sont marqués à Chaumont par Jacques Donatien le Ray, intendant des Invalides de Louis XVI et Germaine de Stael, femme de lettres des 18è-19è siècle. 

   Le 1er achète le chateau en 1750. Il termine l’aile Sud et détruit la Nord jugée trop vétuste. Il crée ainsi une grande terrasse offrant l’un des plus beaux panoramas sur la Loire. Le chateau perd alors son aspect défensif pour devenir une demeure d’agrément pré-romantique. 

   Quant à Germaine de Stae, elle séjourne à Chaumont en 1810 afin de corriger et surveiller l’impression de son livre  » De l’Allemagne » à Tours. Le groupe de Coppet l’accompagne. 

 

 

 

Voilà pour aujourd’hui, demain nous verrons la suite de l’histoire de ce magnifique chateau de la Loire.

Bon samedi à tous et bonne lecture. 

Ps: laissez des commentaires ! Merci d’avance

 

 

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